Máximo respeto (Antonio Vega, la SGAE y EMI)

(Ebriedades - Sala de variedades)

Ya casi ha pasado un mes desde que Antonio Vega nos dejó. No voy a repetir de nuevo todo lo que han dicho los medios de comunicación en esos primeros días en los que se conoció la fatídica noticia. Todos se volcaron en él, algo un poco irreal, pues Antonio siempre ha sido un músico muy respetado y conocido desde la distancia, la distancia de los que están a un lado del primer plano mediático. Cuando sacó 3000 noches con Marga pudimos ver, por ejemplo, algún reportaje en algún periódico, pero poco más.

Hay una cosa que creo que recordaré cuando en un futuro hable de Antonio con los colegas, amigos o aficionados. Desde hace ya varios años era consciente de que Antonio podía sorprendernos cualquier día con su marcha, dado el estado tan frágil en que solía encontrarse. Pero cuando me enteré de su muerte no me lo creí enseguida, busqué información, me enteré de aquí y allá de qué pasó. De repente sentí la necesidad de buscar alguna canción y ponérmela, fui directamente a Youtube, una, otra... y me sorprendió ver que había tantísimas personas como yo que estaban haciendo lo mismo: sus comentarios registrados contaban segundos, todos ellos despidiéndose de Antonio.

Pero si hubo algo que me molestó de veras de la comprensible pero inesperada súper-cobertura de la muerte de Antonio Vega fue la reacción de la SGAE y de EMI. La SGAE se volcó también con la muerte del músico, informando de la noticia, luego con la capilla ardiente en la sede de la entidad (Antonio Vega, como músico maldito, aún no lo relaciono del todo con esta atención tan respetuosa de la SGAE). Mi indignación vino al encontrarme, a menos de una semana de su muerte con un disco recopilatorio póstumo del sello EMI. ¿Pero esto qué es? Me dio una arcada, ¿así homenajean a Antonio? ¿Sacando un disco con dos CD’s y un DVD tres días después de su muerte? ¿Es que ya tenían el maldito álbum preparado para cuando llegara el día? Y critico también a la SGAE, que al fin y al cabo es la primera que se embolsa el dinero de los derechos de ese bochornoso recopilatorio. Así funciona la industria, sí, un par de lagrimitas diciendo: “qué pena”, y luego se convierten en buitres carroñeros que se lanzan a por la pasta y se aprovechan del marketing jugoso y rastrero. Un poco de respeto, por favor, ¿no podían ni esperar un tiempo prudencial, un tiempo de luto y de respeto? Ah, claro, es que un mes después ya casi nadie habla de su muerte… Qué triste, no se molestan ni en guardar las apariencias.

Ahora, eso sí, si copiaras o te bajaras un disco de Antonio porque no lo encuentras en tu tienda o porque el precio del disco aún te parece abusivo, enseguida la SGAE vendría con eso de respetar la propiedad intelectual de los autores (y a liquidarte tu cuenta bancaria, claro…). Venga ya, y sacar ese recopilatorio es muy respetuoso, ¿no?

Al menos, me ha alegrado saber que otros internautas se han quejado de la salida del disco, que, por cierto, ni siquiera es el recopilatorio ideal, faltan canciones que deberían estar en los CD's de audio (y que alguna esté en el DVD no me vale). Termino mi particular homenaje-queja con una de las canciones que faltan en ese… álbum de EMI. Tengan seguro que no lo compraré.

"Deseando amar" en "Videodrome"

(Sala de variedades)

Como todas las cosas importantes que suponen un antes y un después para uno, Deseando amar vuelve a mí. ¿Sabéis qué programa es Videodrome de Radio 3? Yo tampoco lo conocía, es uno que va de contar películas. Pero no de una forma burda que te la estropee, sino con admiración, máximo respeto e introspección, animándote a verla o a redescubrirla de nuevo.

Y qué grata sorpresa, es un programa estupendamente realizado, se nota que han comprendido por completo la esencia de Deseando amar. Me parece una muy buena forma para descubrirla o para ahondar en las maravillas que están latentes en ella, acompañando con referencias extra fílmicas, biografía de Kar-Wai y apuntes relevantes.

No creo que nadie de RNE lea esto, pero estaría muy bien que hicieran lo mismo con 2046, mucho más incomprendida que su predecesora, en donde se muestra la nueva forma de vida del Sr. Chow con un estilo narrativo totalmente diferente pero necesario.

Los que no la hayan visto deberían oír hasta el minuto 24 ó 31. Los demás (la escasa minoría) se lo deberían empapar entero.

Pincha aquí para escuchar el programa

A la espera de Ponyo

(Sala de variedades)

Me ocurrió con Chihiro, con Howl y ahora es con una pececita llamada Ponyo. Cuando el Studio Ghibli anuncia que Hayao Miyazaki está preparando su nueva película me pongo un poco nervioso porque sé que es mi acontecimiento cinematográfico por excelencia.

Es cierto, y soy consciente de que hará falta mucha paciencia hasta que la película se estrene en una sala de cine cercana. Como las cosas realmente buenas, las películas de Miyazaki son dos preciadas gotas de agua que caen en tierra arenosa. Una gota por parte de Miyazaki, por su nueva historia, por el nuevo terreno que nos enseña de su incomparable imaginario; y la otra gota es cosa de Hisaishi, mi compositor favorito para demostrar -otra vez- cómo se escribe una enorme banda sonora para una película. Por cierto, estamos hablando de Gake no Ue no Ponyo (Ponyo on a cliff by the sea), en donde Miyazaki vuelve a reivindicar la animación tradicional, esta vez con unos bellísimos escenarios sacados de un storyboard realizado con acuarelas. Todo el metraje del film está realizado completamente a mano.

Estrenada hace un par de meses en Japón (con enorme éxito de crítica y público), comienza la cuenta atrás para conocer la historia de Ponyo y Sosuke. Ponyo, una rojiza y rolliza princesa pez sale del mar y se topa con Sosuke, un niño que vive en una casita sobre un acantilado. Desde entonces, Ponyo sólo tendrá un deseo: el de convertirse en un ser humano. Es decir, una particular versión de La Sirenita de Andersen y del cuento tradicional japonés del pescador Urashima. Miyazaki leyó de pequeño el cuento de Andersen y entonces le decepcionó que sólo los humanos tuvieran alma.

La película se proyectó la semana pasada en la Mostra de Venecia, y a pesar de ser uno de los pocos films que levantó el entusiasmo general de la crítica, el jurado presidido por Wim Wenders (París Texas, El cielo sobre Berlín) la dejó fuera del palmarés. En 2005, la Mostra galardonó el año pasado a Miyazaki con el León de Oro honorífico por toda su carrera.

Ya me estoy comiendo las uñas, pero confío en que dentro de muy poco Aurum se haga con los derechos de distribución en España, pues sé de primerísima mano que anda muy interesada en Ponyo. Para quienes no conozcan aún a la pececita, ahí van los dos trailers del film. Imprescindibles... (cuidado, la canción es muy pegadiza).

Tráiler 1

Tráiler 2

P.D: El reportaje de El País tiene una información errónea: Miyazaki no es el creador ni de Heidi ni de Marco, sino su compañero Isao Takahata. Miyazaki se encargó de los escenarios de ambas series. Se le suele atribuir a él la autoría de esos animes, un error que muchos medios cometen.

De nuevo, Summer vuelve...

(Sala de variedades)

El tema Summer no lo considero una de los mejores piezas de Joe Hisaishi (igual que tampoco la banda sonora completa de la película –El verano de Kikujiro- es de las más completas de su discografía). Al ser una de las partituras más “comerciales” y asequibles que ha compuesto, Hisaishi se ha ganado una clara referencia; pero siempre he opinado que deberían reseñarse otros temas mucho más destacables en cualquier reseña que leo de este compositor.

De todos modos, Summer me gusta, por supuesto. No hay duda de que es dulce, efectivo, cálido… mi piano está ya bastante cansado de tanto tocarlo. Me parece perfecto como sintonía veraniega, aunque su escucha no me recuerda especialmente a esta estación. Por eso, y no sé muy bien porqué, le dedico el espacio de hoy a este tema, quizás para acercar fácilmente mi querido músico a los escasos y perdidos lectores que lleguen accidentalmente por aquí. Y ya que estamos, por una vez voy a dedicarlo: para todo aquel que tenga hoy un día especial.

P.D: Si os gustó, la versión orquestal la aprovecha mucho más.

El violín de Alina

(Sala de variedades)

Hace bastante que no escribo, mi productividad en este blog es escasa, lo sé. Me gustaría poder actualizar más, lo intentaré. Sea como sea, no repetiré este encabezado en futuras entradas.

Ayer hablé con un amigo de varias películas en las que el violín es un “personaje” importante. Todo esto vino a raíz de Un corazón en invierno, una película que le presté de Claude Sautet acerca de un luthier insensible que arregla violines (buenísima, una de las películas que más me han impresionado últimamente). Otras películas que mencionamos fueron El violín rojo o Balzac y la joven costurera china.

Pues bien, el caso es que la conversación de los violines me trajo a la memoria el último concierto de la Filarmónica de Málaga en el que estuve, donde escuché el Concierto nº 1 para violín de Bruch. Max Bruch fue un compositor alemán romántico que en la actualidad es recordado por el citado concierto para violín, en Sol menor (a pesar de que compuso otras muchas obras). El segundo movimiento de su concierto cuenta con uno de los adagios más bellos que se han compuesto para violín, la melodía es bastante famosa y sigue teniendo mucha acogida.

La violinista que interpretó aquel concierto de principios de febrero fue Alina Pogostkina. Me informé acerca de ella y mi interés aumentó: Alina es una jovencísima instrumentista que está gozando de popularidad. Con sólo 25 años, la violinista ya es un prodigio que está tocando en salas de todo el mundo. Aunque, sinceramente, lo primero que me impresionó al verla fue su belleza. Alina entró en el escenario, portaba su violín y lucía un vestido largo y claro. Empezó a tocar y su presencia en el escenario se convirtió en algo casi irreal… No soy ningún entendido de técnica violinística, pero la limpieza del violín y su precisa ejecución saltaban a la vista y a los oídos.

Por supuesto, yo ya conocía de antemano el famoso fragmento de la obra de Bruch y esperaba con emoción poder escucharlo en directo. Pero cuando llegó el segundo movimiento y comenzó a sonar esa primera nota larga del violín de Alina, la melodía me pilló totalmente desprevenido. Me desnudó por completo, incluso en un momento me dejó completamente vacío, como si algo dentro de mi cuerpo por fin hubiese encontrado una salida y se escapara lentamente, rompiendo todo sentido del tiempo y dejándome desamparado. Me conmovió profundamente. La sensación se acentuó porque estuve solo en un palco, muy próximo al escenario.

Una vez acabado el concierto, fui a saludar a uno de los músicos de la orquesta, un excelente trompetista al que conozco. Cuando le dije cuánto me había gustado la interpretación de Alina, mi colega me preguntó si quería conocerla. Sin darme cuenta, ya estaba subiendo las escaleras hacia el camerino, pensando algunas torpes frases en inglés que pudiera decirle. Mi colega pegó a la puerta de su camerino, pero Alina no respondió… se había marchado ya del teatro. Me hubiese gustado mucho tenerla frente a mí, pero supongo que así fue mejor, no tenía nada importante que decirle.

Sigo escuchando de vez en cuando, como antes, el adagio del Concierto para violín y orquesta nº 1 de Bruch. Sólo que ahora, cada vez que la pongo, me viene a la memoria el semblante de Alina interpretándolo con toda la elegancia del mundo.

Por desgracia, no existe ninguna grabación del concierto de Bruch interpretado por Alina. Pero quisiera dejaros a otro grande interpretándolo: Yehudi Menuhin. Tras la introducción, estoy seguro de que reconoceréis perfectamente la famosa melodía.

Mei

(Sala de variedades)

Como me encontraba en el trabajo, esta mañana no estaba en casa cuando una vecina avisó a mi hermano. La mujer creía que nuestra gatita Mei había sido atropellada.
Cuando regresé a casa ya la habían enterrado mi madre y mi hermano, pero no me enteré hasta un poco más tarde.

Nuestra gatita romana empezó su primer periodo de celos, todavía muy joven y algo pequeña, claro. Era bastante traviesa, casi siempre estaba correteando y jugando, muy hogareña (al contrario que el otro gato que tenemos, más independiente). Le encantaba chupetear los tejidos cuando se ponía a ronronear; en el cuarto de baño observaba atenta cómo limpiábamos la ducha y le llamaba especialmente la atención la manguera (a quien atacaba cuando estaba cerca de ella) y el váter. Como estaba tanto tiempo con nosotros, sus repentinas y largas salidas buscando novio me parecían aún menos habituales. Muy poco contacto con la calle tuvo para empezar a salir tanto tan de repente, no estaba habituada a los peligros de fuera.

Mi hermana está de viaje y sé que le apenará mucho la muerte de la gatita cuando vuelva. La llamamos Mei porque ella quiso: Mei es el nombre de la niña pequeña de la película Mi vecino Totoro, de Hayao Miyazaki (una de las mejores películas de animación de la historia, a la que tengo un gran cariño).

Precisamente, cuando mi madre me dio la noticia, estaba viendo en YouTube un video del compositor Joe Hisaishi junto al cellista Hiroshi Kondo, interpretando The path of the wind. Un precioso tema que pertenece a la banda sonora de la película citada, donde viene el nombre de Mei.

¡Grande Bardem!

(Sala de variedades)

No había premio que se le pudiera resistir por ese papel como psicópata asesino, despreciable, aterrador, escalofriante, con un odioso peinado que lo encrudece todavía más, tan espeluznante y horrible pero a la vez atractivo... no se le puede quitar la vista de la pantalla hasta que tomas conciencia y te preguntas: ¿por qué me atrae tanto este horrible personaje?

Porque es BARDEM, y ganó el Oscar. Con mayúsculas, porque es así de grande, su dedicatoria española ya ha quedado para la posterioridad.

Nuestro queridísimo Alberto Iglesias no ha tenido la misma suerte y no pudo alzarse con la estatuilla a la mejor banda sonora por Cometas en el cielo. Se lo llevó Dario Marianelli por Expiación, aunque eso sí, al parecer un Oscar también merecido, no como lo ocurrido en la primera nominación de Iglesias por El jardinero fiel, que le arrebató la estatuilla Gustavo Santaolalla por la menos sorprendente Babel (más aún cuando ya recibió el premio por primera vez el año anterior por Brokeback mountain). Hoy escuché precisamente en la radio que Iglesias piensa dejar tarde o temprano la música de cine, y desde aquí le digo al maestro que por favor no lo haga hasta que gane el galardón (a la tercera va la vencida), y que me prometa que volvería al oficio para componerme si alguna vez hago alguna película.

El mejor film de animación recayó en Ratatouille (grande también Brad Bird), aunque me da un poco de pena por Persépolis. Y un rápido listado...

- La guapa Marion Cotillard se llevó el premio a la mejor actriz por La vie en rose (Ellen Page, todavía eres muy joven, ¡ya volverás como nominada!).

- Daniel Day Lewis al mejor actor por Pozos de ambición.

- Tilda Swinton a la mejor actriz de reparto por Michael Clayton.

- Los falsificadores, de Stefan Ruzowitzky, fue la mejor película de habla no inglesa.

- Diablo Cody se lo llevó por su guión original para Juno...

Y No es país para viejos, la gran triunfadora, grandes también los Coen: mejor película, mejor director, mejor guión adaptado y mejor BARDEM.

Así que ya sabes, si aún no has visto la película, aprovecha y ve a verla en pantalla grande. Y escucha a Iglesias en Cometas en el cielo.


Pincha aquí si quieres ver los premiados en otras categorías. Ah, y feliz cumpleaños, Oscar, por tu 80 aniversario.

My blueberry songs

(Sala de variedades)

Cuando escuché la canción de My blueberry nights exclamé interiormente: "¡qué buena!". Como Norah Jones es la actriz principal de la película (su debut en este oficio) deduje que era suya, pero error: ya me parecía su voz demasiado ronca y gélida, y el estilo de la canción no cazaba del todo... Luego me enteré de que se trataba de un tema de Cat Power: The Greatest. La canción parece hecha a propósito para una película de Wong Kar-Wai, tiene dentro de ella una mezcolanza extraña de emociones, puede parecer triste, esperanzadora, nostálgica, dulce... como las películas del cineasta chino.

La semana que viene se estrena por fin My blueberry nights en España. No me espero ninguna obra maestra, pero estoy seguro de que el bueno de Won va a emocionarme como él bien sabe, con esos personajes a la deriva, dolientes, con la música de Umebayashi y esos hermosos planos que tanto condensan, que para nada llegan a ser un esteticismo recargado y efectista (2046 es una necesaria excepción, si continuara con ese estilo exacerbado y recalcado entonces cambiaría de opinión). Espero que tenga una buena distribución en salas, supongo que Vértigo Films se comportará, como suele hacer.
Tengo ganas de volver a escuchar la canción; me la estoy poniendo por la mañana cuando voy al trabajo, de algún modo me da una extraña energía.

Aunque me gusta más la versión original en estudio, este directo de The Greatest está bastante logrado (en otros a Chan Marshall, la cantante, se le va un poco la olla).






ACTUALIZADO (22-02-2008): Desgraciadamente, la película My blueberry nights se ha vuelto a retrasar. Su fecha de estreno está pendiente por confirmar.

El sitio oficial del film es el siguiente:
www.myblueberrynights.es

Las cicatriz del tiempo (Yasunori Mitsuda)

(Sala de variedades)

En el trabajo me han mandado escribir un artículo acerca de un compositor de videojuegos llamado Yasunori Mitsuda. No me sonaba para nada el nombre de este japonés, pero cuando empecé a investigar comprobé que en verdad lo conocía desde hace ya varios años, pues es el compositor de dos famosos videojuegos: Chrono Trigger y Chrono Cross.
El primero salió para la ya clásica Super Nintendo y se ha convertido en uno de los mejores RPG's, a pesar de que no pudo jugarse en Europa. Su secuela apareció para PlayStation (ahora PSOne). De éste último, Chrono Cross, me enteré gracias a una revista española ya inexistente acerca de videojuegos de importación. Me interesé tanto por él que esperé con ganas su salida en Europa. Sin embargo, al juego le pasó lo mismo que a Chrono Trigger: nunca vio la luz en nuestro continente.
La secuencia de video introductoria que pude ver de Chrono Cross cuando se esperaba con impaciencia su salida en Europa me impresionó mucho, y ya la bellísima música que la acompañaba se me quedó grabada.

Ahora que tengo que escribir el artículo de Mitsuda estoy escuchando otros temas de este buen compositor, algunos son realmente hermosos. Por supuesto, he rescatado la intro de Chrono Cross de mi memoria, titulada Scar's Time. No sólo la música (es curiosa la fuerte influencia celta de Mitsuda), sus gráficos y sus diseños me siguen gustando mucho.

El prólogo de la intro reza lo siguiente:


¿Cuál fue el comienzo de todo esto?
¿Cuándo empezaron a girar los engranajes del destino?

Quizás es imposible entender esa respuesta ahora,
desde el profundo interior de la corriente del tiempo...

Pero, por un cierto periodo de tiempo, entonces,
amamos a tantos, pero odiamos tanto,
nos hicimos daño y nos lo hicieron.

Pero incluso entonces corrimos como el viento,
mientras se hacían eco nuestras risas,
bajo el cerúleo cielo.